5 История искусств за полчаса или как сохранить 500 рублей.

Рецензия на книгу состоит в неком обобщении прочитанного материала. В этом и главное достоинство и ценность книги - её способность создать цельное представление о развитии европейского искусства от его зарождения до наших дней.

История искусства начинается с истории развития Древнегреческой цивилизации. Особенность этого искусства в том, что оно с самого начала своего появления изображает в своих произведениях человека.

Уже в эпоху архаики было видно, что древние греки, в отличие от древних египтян, сконцентрировались на образе человека. Именно он считался высшим существом, так как был наделён разумом

Тут есть лишь процесс эволюции мастерства - от примитивного изображения человека в статуях ранних веков, до мастерства, когда цивилизация греков была в своём рассвете.
Тут видна разница между двумя статуями, где первым представлен Аполлон Тенейский, ок. 550 г. до н. э

И уже Мирон. Дискобол. Римская копия с греческого оригинала, ок. 460 г. до н. э
Классического периода V века до нашей эры, где уже виден результат развития в мастерстве изображения человеческого тела в движении
Если искусству греческому присуща экспрессия, то более позднему и идущему следующим Римскому искусству присущ реализм и рациональность

Лучше всего склонность римлян к заимствованию и сдержанность художественного поиска заметна в скульптуре. Статуи эпохи Республики были бронзовыми, технику литья римляне переняли у этрусков, своих древних и загадочных соседей.

>Однако римская скульптура не поражает нас многообразием пластических форм, здесь нет обнажённых идеальных тел и изящных поз.

>Невозможно найти драматичный, эмоциональный образ героя или бога, они у римлян встречаются гораздо реже, чем у греков. Вместо этого римляне любили делать статуи настоящих, живых людей и изображать их внешность абсолютно точно.

С крахом римской цивилизации, искусство христианства наполнено примитивизмом ради божественного в ранних своих произведениях
и мотивами страха и подчинения в поздних.

В отличие от греков и римлян первые христиане не обращались к скульптуре. Так как статуя в сознании верующих была связана с поклонением идолам, мастера были сосредоточены на живописных образах.
> Не было реалистичности, объёма, проработки деталей. Это было не нужно-ведь изображалось божественное, а не земное.
Художники римских катакомб стремились говорить о возвышенном и спируалистическом, поэтому отказались от материальной характеристики предметов, а в изображении героев не акцентировали внимание на телесном. Для христианина тело-это воплощение человеческого начала, в то время как новое искусство, старалось показать божественное, нематериальное и иррациональное.

С популяризацией христианства и с превращением его в институт подавления и запугивания, данные установки начали изображаться на фасадах романских церквей

В пространстве над дверьми собора Сан-Лазар-тимпане-изображён Христос в окружении евангелистов, а рядом сцены страшного суда. Мы видим взвешивание человеческих душ архангелом Михаилом, Еву перед грехопадением, грешников и праведников-одним словом, всё то, что способно красочно и наглядно показать его после смерти.

Ещё одной особенностью христианского искусства является дуализм мирского и божественного, который изображался в творениях искусства того времени.
Готическая скульптура ставит перед собой цель не только быть "Библией для неграмотных", но и поучать человека, наставлять на правильный путь.

Это хорошо показывает статуя Святой Модесты.
Латинский корень "Модест" означает скромный. Перед нами действительно скромная девушка, которая правой рукой отталкивает от себя мир с его соблазнами и грехами, а левой держит Новый Завет, показывает единственный путь, которым она хочет идти. Книгу она держит как щит-учение Христа должно спасти её от грехов.
>Одежда на теле Модесты смотрится гораздо реалистичнее, чем на раннеготических скульптурах.
Складки робко, но подчёркивают очертания тела. Они струятся вниз, не выглядят линейными, как на пророках XII века, внизу же они загибаются и создают ощущение лёгкого волнистого движения.
>лицо Модесты тоже говорит о скромности, на нём не запечатлены яркие эмоции.
Отношение к эмоциям в Средневековье было неодназначным:сильный гнев и бурная радость были знаком того, что в человеке природное преобладает над духовным, и это считалось неправильным. Таким образом, безэмоциональная Модеста является воплощением идеала христианина.
Указывать человеку правильный путь, говорить, что хорошо и что плохо-важнейшая цель готической скульпуры.

В Проторенесансе античное искусство начинает постепенно отвоевывать свободу от христианства и в поздних христистианских трудах появляются старые античные мотивы. Библейские сюжеты изображаются реалистично.

В XIV веке,в период зрелой готики в остальной Европе, в Италии под влиянием византийской живописи в Италии возникает Предвозрождение(Проторенесанс). В этот период пробуждается интерес к земной жизни, и божественные герои обретают человеческие черты. Они начинают проявлять эмоции, их фигуры становятся более живыми, плотными, объёмными, уходит византийская схематичность и нарочитая принадлежность к небесному миру.
Наконец, Джотто совершает революцию в византийском каноне, заменяя золотой фон на синий - цвет неба. Так библейские персонажи окончательно спускаются на землю, и в дальнейшем итальянское искусство продолжает тенденцию изображения реальности.

Новаторство итальянских живописцев проявляется в появлении абсолютно нового жанра - портрета. Движение эпохи возрождения подарит человеческой культуре не только забытые античные образцы, но и даст толчок всему искусству двигаться вперёд - создавая что-то новое.

Интерес к личности повлёк за собой возникновение нового жанра в искусстве - портрета

Ещё одной особенностью Проторенесанса является смешение двух основ: основ христианского и античного. Библейские сюжеты наполняются героями античности. Этот период и примечателен тем, что творцы нового времени ещё не донца отделались от христианского влияния и тут прослеживается некий "симбиоз" между существующим-отживающим и нарождающимся.
Абсолютным новшеством для искусства XV века являются античные сюжеты и образы. В это время их не так много, а самым известных является "Рождения Венеры" Боттичелли.
Боттичелли ввёл в европейское искусство новый образ-Венера. К средневековому символу женственности и красоты, который олицетворяла Богоматерь, прибавляется античный образ богини любви.

Если у искусства средневековья был незыблемый паттерн и жёсткий канон, то искусство возрождения - полёт гения человеческой мысли и её изобретальности, что выражается в труде одного из создателей прекрасного - Да Винчи
Великий Леонардо-первооткрыватель среди художников Высокого Возрождения. Он ввёл в искусство новые приёмы и новые трактовки известных сюжетов.

Лицо Джоконды не выражает сильных эмоций. Это особенность всех портретов Возрождения-они стремятся показать человека уравновешанным. При этом героиня кажется улыбающейся-но её улыбка настолько сдержана и едва уловима, что зритель видит в выражении её лица загадку.
Подобное восприятие образа-результат нового живописного приёма, изобретенного Леонардо:сфумато, что по итальянски означает "дымка".
Сфумато - концентрированный воздух, который как бы обволакивает все предметы на картине и делает все контуры и переходы цвета плавными и мягкими.

Дымка обволакивает глаза Моны Лизы, её рот, крылья носа, так что невозможно увидеть полностью их очертания. Тёмное постепенно превращается в светлое, и наоборот. Это делает мимику невыразительной и вообще уволит образ от сиюминутной конкретности-невозможно не только определить эмоцию, но и понять нюансы характера или возраст героини.Перед нами некое универсальное состояние прекрасного человека. Героиня молода, спокойна, красива, выражение её лица кажется благостным. Это внешне состояние демонстрирует соответствующее состояние духа

Возвращаясь к ранее сказанному, в эту эпоху происходит возвращение к античности в неком для неё новом обличии, когда некогда творцы сами становятся частью искусства и уже как золотая часть истории, принимают дань от творцов того будущего.

Фреска, созднанная Рафаэлем, - образ мудрости и торжества национальности. На ней представлены учёные и философы разных взглядов и поколений. Платон и Аристотель, Сократ, Диоген, Пифагор, Евклид и многие друг ие мудрецы сидят и стоят на ступенях, ведущих в роскошное античное здание

Резюмия всё то, что было сказано ранее, мы можем подвести вывод и сказать, что эпоха Возрождения воплотила в своих трудах два достоинства человеческого бытия - красоту его тела и великолепие его мудрости.

Если Итальянское возрождение трепетно изображало высокой дух человечества, то Северное возрождение осталось в далеке от этих идеалов. И представляло оно быт и его роскошь, либо в связи с тягой человека создавать и существовать в этой роскоши, либо из-за внимания к деталям, к которым художники Северного возрождения немцы и голландцы относились с особым вниманием. Ведь по автору Северное Возрождение не было столь зацикленным на человеке, а напротив, старалось изобразить совершенно другие вещи (или же грехи, где примером может послужить Босх)

Рогир ван дер Вейден. Благовещение, центральная чать Триптиха из Турне, 1450 г.

Поразительно точно написана вся обстановка комнаты:резная скамья и лежащие на ней подушки, стеклянный сосуд, стоящий на камине и отбрасывающий тень на стену, ажурный подсвечник, кувшин и прочие детали. Интересно, что большинство предметов имеет символическое значение:белая лилия и прозрачный сосуд-это чистота Девы Марии, плоды, лежащие рядом,-знак искупления первородного греха;подсвечник символизирует мать, поддерживающую своё дитя.

Это соответствует средневековой традиции, где каждый предмет, включённый в изображение, мел символический, сакральный смысл. Однако здесь предметы переданы совершенно не по-средневековому. На этой картине хорошо видно, как в искусстве Северной Европы сплетаются старые и новые традиции. В "Благовещение" так же, как и в произведениях итальянского Проторенесанса, библейские события начинают происходить на земле, а не на небе.
Однако, не имея перед глазами памятников античности, жители Нидерландов, Германии и других стран не ориентировались на древнегреческую и римскую скульптуру с её правильными пропорциями. Они создали своё искусство, оттолкнувшись от готических и местных традиций.
В частности это касается подробной проработки деталей.

Внимание к деталям в такой степени не было свойственно итальянцам.Хотя венецианские мастера и наполняли мир своих картин предметами роскошного быта, они не передавали их столь тщательно. Италия была сосредоточена на человеке как высшем существ-это было продолжением античных идей. Философич северных стран базировалась на другом.

Ещё одним белым вороном Северного Возрождения был Иероним Босх с его сумашедше красивым изображением грехов человеческих. Вообще, вся голландская и немецкая культура того времени является мощным противопоставлением и неким ответом типичному для нас Возрождению, про которое мы знаем хоть что-то, не зная о Северном вообще ничего

Это породило ещё одну характерную деталь в искусстве. Поскольку человек в северных странах не мыслился венцом творения, его редко идеализировали-наоборот старались показать его таким, какой он есть.
Поэтому в живописи часто возникает тема человеческих пороков.

Одним из знаменитых мастеров, говоривших об этом в своих произведениях был Иероним Босх. Он считается самым необычным и загадочным художником всех времен. Однако основные идеи его работ ясны:он изображает человеческие слабости и наказания, которые последуют за грехами.

Его раняя работа "Извлечение камня глупости" изобличает человеческую доверчивость и невежество простаков. Босх использует распространённое народное поверье и том, что недуг можно вылечить, удалив из головы некие "камни глупости". Операцию проводит человек в монашеском одеянии с воронкой на голове, за сценой наблюдают монах и монахиня.
Смысл этой картины становится ясен, когда мы узнаём о символическом значении предметов, странно изображенных на картине. Перёвернутая воронка означает шарлатанство, а книга, лежащая на голове монахини-знак показной мудрости. "Камень",который обманщик извлекает из головы мужчины, больше похож на тюльпан- в Нидерландах он отождествляется с золотом, его-то шарлатан и положит себе в карман.

Больше всего Брейгеля привлекал мир крестьян. Однако тема труда-не единственное, что интересовало художника. В подобных образах Брейгель искал то настоящее, искреннее, человеческое, что не встретишь в среде аристократов. Крестьяне-простые люди, привычки которых естественны, а в поведении людей много наносного, ненастоящего.

Он не идеализирует простой народ-наоброт, старается быть максимально объективным и критичным, часто говорит о недостатках и слабостях. Как нидерландский художник XVI века, Брейгель изучал человека как с положительной, так и с отрицательной стороны. В его картине "Крестьянский танец" много народных типажей.
Люди здесь танцуют, выпивают , играют на музыкальных инструментах. Их лица не кажутся привлекательными-порой Брейгель утрирует человеческое уродство. Помня о том, что мир несовершенен, он нередко включает в в изображение калек и людей, чья внешность вызывает отвращение. Но образ толпы крестьян был бы неполным без пейзажа на заднем плане.
Это простая нидерландская архитектура-одноэтажные домики и кирхи- и не менее сдержанная природа с этого момента станут важнейшей частью картин местных мастеров. Люди неотделимы от природы и рукотворного мира.
Во многих картинах итальянских, особенно флорентийских, мастеров пейзаж был просто красивым фоном, лишь дополнявшим идею гармонии личности. У северных художников пейзаж-важная составляющая картины, без которой её невозможно представить. Примечательно, что в отличие от Италии, где линия горизонта всегда располагалась низко и казалось, что человек возвышается над пейзажем, на Севере всё наоборот

Отдельным и особенным в своей непохожести местом в искусстве уже XVII века представлен Караваджо и Франсиско де Сурбаран с их очень реалистичным виденьем библейских мотивов. Что создаёт мощное ощущение качественного различия их гения и эпохой в которой он творил. Этот реализм уносит нас в будущее, будто бы они вернувшись назад в прошлое, наградили тот век своей далеко ушедшей вперёд гениальностью...

Картина Караваджо "Давид и Голиаф" поражает реалистичностью.Над поверженным Голиафом склонился Давид. Вместо меча в его руках верёвка, которую он обвязывает вокруг шеи великана. На лбу у Голиафа след от камня, выпущенного Давидом из пращи. Но также мы видим отведенные в сторону глаза на неживом лице, глубокие морщины и растворяющуюся в темноте бороду. Страшно выглядит и сжатый окоченевший кулак.
>Картина наполнена натурализмом, отталкивающими реалистичными подробностями, котырые невозможно представить ни у Рафаэля, ни у академистов.
Этот же подход художник использует в изображении Давида. Караваджо детально прописывает пальцы и грязные ногти на его ногах, и это делает картину пугающе близкой к жизни. Библейская история становится частью реальности,зритель становится частью реальности, зритель видит перед собой абсолютно настоящих людей, что вызывает сильные переживания и отклик и заставляет более глубоко воспринимать происходящее. XVII век требует от зрителя полной вовлеченности в сюжет.
>Помещать современников в ситуацию библейской притчи - важная черта стиля Караваджо.

Художники,воспринявшие стиль Караваджо, работали в разных частях Европы. Одним из самых известных караваджистов был испанский мастер Франсиско де Сурбаран.

В его "Распятии" деревянный крест выступает из абсолютной тьмы, фон почти чёрный. Свет выхватывает только фигуру Христа и деревянный крест, фактуру которого передал художник передал очень тонко. Существование распятого Иисуса, который возникает из тьмы перед глазами смотрящего, не может вызывать сомнений. Это должно было усиливать религиозные переживания верующего